ALGUNAS NOVELAS GRÁFICAS ÚTILES EN LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES

  (TAMBIÉN PARA DIVERTIRSE Y CONOCER UN POCO MÁS DE LOS FENÓMENOS SOCIALES)

En el contexto de las temáticas relacionadas con las Ciencias Sociales el que haya nuevas interpretaciones sobre hechos o fenómenos sociales es inmensamente valioso, ya que además de abrir consciente o inconscientemente el dialogo, la reflexión o el debate respecto a un hecho, también dinamiza el ejercicio de leer, escribir y crear. Por tanto, no es exagerado pensar las novelas gráficas como escenarios que invitan a partir de hechos históricos o ficticios, directa e indirectamente, a volver sobre nuestro pasado y presente, y en este sentido, la invitación que menciono es especialmente útil para los docentes en general y para los docentes de ciencias sociales en particular.

Las novelas gráficas como subsidiarias de los comics son un fenómeno editorial con un eco  generacional ascendente evidente, el mote de underground que les rodeo a mediados de los noventa ha mutado en los últimos años al de  producto editorial de consumo masivo, lo cual ha permitido la democratización de sus contenidos y el uso de estos más allá del orbe de las “sectas de especialistas”, los nerds y de los monopolios editoriales. En este sentido, el criterio docente es fundamental para involucrar y enfocar dentro de su práctica pedagógica de manera acertada los sentidos discursivos de cada obra (ya que no son neutros) en función de una comprensión y analisis más amplios por parte de sus estudiantes y de él mismo.

A continuación presento algunas propuestas desde el género de la novela gráfica que pueden ser una herramienta útil para la contextualización y problematización de varios fenómenos y hechos históricos que muchas veces los textos guía no logran desarrollar en su dimensión reflexiva y crítica (entendida como la formación de un criterio)[1].

SUPERMAN: HIJO ROJO /  Mark Millar / DC comics (2004)

Objetivo: reflexionar sobre los valores y visiones antagónicas de los bloques capitalistas y el comunista durante la guerra fría a través del rol de un superhéroe referente del bloque soviético. 

Superman ha sido el icono por excelencia del estilo de vida americano, desde su aparición en 1938 ha protagonizado todas las aventuras y desventuras de los valores de la nación americana, no obstante, en esta nueva lectura del clásico americano por excelencia, Superman aterriza en Ucrania y por ende se convierte en el bastión de la URRS. A partir de allí vemos el ascenso de un Superman comunista que encarna y defiende el legado y los valores de la revolución rusa  y acompaña Stalin en sus últimos días. En esta versión, el bloque de la Unión Soviética logra de la mano del “hombre de hierro” la expansión del comunismo a nivel mundial  ganándose la animadversión de los Estados Unidos, uno de los dos únicos países capitalistas en el mundo.  

Esta novela gráfica  plantea un interesante juego al invertir los factores simbólicos más preponderantes de la guerra fría y plantear a partir de ellos nuevos antagonismo que desembocan en un conflicto bélico y ético de parte y parte de los bandos enfrentados, situación que no es ajena a sus protagonistas: (además de Superman), la burocracia de ambos bandos, Wonder Woman, Batman, Lex Luthor y su esposa Louis Lane.

A lo largo de sus tres tomos podemos ahondar en este interesante juego lleno de matices y dilemas sobre lo que significa "hacer lo correcto" para las partes en conflicto, indudablemente una relectura que aporta al análisis de la construcción del otro dentro de un conflicto como la guerra fría donde la construcción simbólica del enemigo fue una constante.

MAUS / Art Spiegelman / Planeta Deagostini (2001)

Objetivo: Abordar las diferentes formas y perspectivas en las que se ha configurado la memoria del exterminio judío durante la expansión del Nazismo en Europa.

No es fácil ahondar respecto al avance del nazismo en Europa y mucho menos explicar a un público joven los matices que articularon el genocidio judío, no obstante, este libro logra de manera inocente y brillante hacer una interesante reflexión a partir de la experiencia del padre del autor, un sobreviviente del holocausto.

Allí los personajes están representados así: los judíos son ratones (maus significa ratón en alemán), los alemanes son gatos, los polacos son cerdos, los americanos son perros, los franceses son ranas, los suecos son ciervos y los británicos son peces. Lentamente el diario vivir de una familia de judíos se transforma en una dramática convivencia con el antisemitismo que continua en los campos de concentración de Auschwitz buscando la manera de mantenerse vivos.

Maus es una obra de lectura necesaria para quienes buscan un escenario alterno de la memoria del holocausto, y también es un documento ideal para quienes escuchan por primera vez sobre la segunda guerra mundial.

PERSÉPOLIS / Marjane Satrapi / Editorial Norma (2007)

Objetivo: Analizar las diferentes caras de la influencia cultural occidental y la transiciones, conflictos y contradicciones  sociales en sociedades como la musulmana.

Supimos de esta obra luego de la interesante película animada  estrenada en 2007. La novela tiene como punto de inicio la caída del Sah de Irán resultado de la revolución de 1970 realizada por los fundamentalistas islámicos y las consecuencias culturales y políticas de este cambio de régimen en el diario vivir de una familia iraní de clase media occidentalizada que añora la democracia.

Esta obra nos muestra atraves de los ojos de una niña que las sociedades islámicas no son homogéneas y que la occidentalización en términos políticos y sociales es un fenómeno que muestra las fracturas de las sociedades donde el poder es monolítico y el autoritarismo es la lógica del poder político.

Esta obra pone sobre la mesa de analisis entre otras preguntas el ¿qué tan irremediable es la secularización y la democracia para el avance de las sociedades islámicas? O ¿Qué tan neutral y espontanea es  la dinámica globalizadora de los valores occidentales?, es decir, este libro remite casi de inmediato hacia la reflexión de ida y vuelta entre la occidentalización y el occidentalismo sin olvidar los puntos en común representados en la exclusión social, el autoritarismo, el totalitarismo entre otros asuntos. Sin duda, este es un escenario interesante y novedoso para abordar la complejidad de las sociedades que tienen como base política y social el Islam.  

WATCHMEN / Allan Moore / Editorial Ecc comics (2019)

Objetivo: Cuestionar y reflexionar sobre los límites y las contradicciones de las sociedades autodenominadas como democráticas que durante la guerra fría  asumieron el autoritarismo y la tiranía para combatir el comunismo soviético.

Esta obra es un punto de referencia del sentimiento de la generación que vivió la guerra fría,  allí hay una referencia explícita  sobre el riesgo del armamentismo nuclear en el contexto de este conflicto, además de una critica abierta el modo de vida americano y su inclinación a deshumanizar a los héroes. Estos héroes son humanos, corruptibles y toman partido en defensa de sus intereses como la guerra de Vietnam o la lucha frontal contra la URRS, Aquí hay personajes tomados de la realidad histórica gringa como el presidente Richard Nixon quien en la novela es un líder autoritario y sin escrupulosos a la hora de mantener su poder.

¿Cómo se puede pasar de una manera tan simple de la democracia perfecta a la tiranía usando como pretexto la unión nacional hacia una amenaza extranjera?, es una de las cuestiones que subyacen en este trabajo de Allan Moore y que al día de hoy se encuentra sin resolver.

PYONGYANG / Guy  Delisle / Editorial Astiberri /  (2003)

Objetivo: Analizar y reflexionar las características de un régimen político autodenominado como comunista y legitimado a partir del aislamiento y  el nepotismo.

Luego de la segunda guerra mundial, la ocupación de rusos y gringos y una guerra interna por la creación de una sola nación, la península de corea fue dividida en dos estados los cuales optaron por vías diferentes de desarrollo, en el caso de Corea del Norte la consolidación de un sistema denominado como comunista y autosuficiente ha llevado de manera paulatina desde entonces a un aislamiento y hermetismo del país casi de impenetrable, pues bien, en esta novela gráfica se aborda desde el punto de vista de un ciudadano canadiense que visita la capital Pyongyang y describe a través de las viñetas los “sutiles” mecanismos de control social y policivo que mantiene este régimen dinástico. Esta novela gráfica es una útil introducción de una sociedad que nos es ajena y desconocida pero que en los últimos años ha tomado gran relevancia dada su capacidad nuclear y militar además de su estratégico acercamiento a los Estados Unidos.

COLECCIÓN PARA PRINCIPIANTES / Varios /  Era Naciente

Esta colección ofrece un amplio catálogo de más de 100 ediciones sobre temas y autores referentes de la cultura occidental. Esta síntesis ilustrada de personajes y temas relevantes es una útil guía para cualquier lector, además los textos que acompañan las viñetas son puntuales y  variados en sus diferentes números. Una guía divertida y útil para neófitos y expertos con una memoria estándar.      

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[1] Las fechas de las novelas gráficas corresponden a su año de publicación en español.

 UNA COPA AMÉRICA BIPARTITA PARA UN PAR DE GOBIERNOS ENDEBLES

Es un hecho, la Copa América del 2020 se realizará entre Colombia y Argentina, los grupos se dividirán en dos zonas y los partidos inaugural y final se realizaran en cada una de las sedes. Desde la postulación por parte del gobierno colombiano hecha el pasado 5 de abril los dirigentes de nuestro país siempre prestos a servir al mejor e inmediato postor partieron hacia Brasil para oficializar una candidatura única, cosa que la dinámica burocrática de la CONMEBOL convirtió en un torneo compartido para los dirigentes y bipartito para los aficionados.

postulación del gobierno colombiano  para la Copa America

A primera vista este torneo es conveniente para todos los interesados: los dirigentes extranjeros podrán saciar su habitual sed de dinero con la exención de impuestos ofrecida por el gobierno Duque y los dirigentes criollos buscarán algo legitimidad local luego de los escándalos de acoso sexual en las selecciones femeninas, los gobiernos le darán un baño de popularidad a sus desgastadas imágenes, los canales de TV podrán llenar sus espacios con contenidos en horas donde los ratings son bajos y moverán el difícil mercado de la pauta comercial y los aficionados tendrán a sus dos selecciones nacionales en sus territorios.  

No obstante, esta inusual designación y el desmesurado apoyo a la iniciativa de las federaciones por parte de los gobiernos locales pone de manera casi inmediata los contextos políticos de ambos países sobre la mesa. Y al respecto hay varias cosas en común, la principal la baja popularidad, tanto Mauricio Macri e Iván Duque representan una derecha que  atraviesa momentos difíciles, el primero una crisis económica inminente “suavizada” por el multimillonario y polémico crédito hecho por el Banco Mundial y el segundo por su evidente ausencia de liderazgo y claridad para el manejo de las crisis sociales. Además, ambos son figuras mediáticas que van en franca decadencia respecto del encanto que los llevó a figurar como celebridades políticas renovadoras y recatadas. Tanto en Argentina como en Colombia las reformas tributarias y pensionales están a la orden del día, y su lucha por conformar inútilmente mayorías en el senado es recíproca. Tanto Macri como Duque son dos neoliberales que les preocupa su imagen en las redes sociales y les interesa tener aliados en los medios de comunicación que articulen sus discursos de renovación radical, en el caso de Duque con su confusa “economía naranja” y en el caso de Macri con su persecución con cámaras de TV a la corrupta administración Kirchner.

la selección Colombia ganó la Copa en 2001 

Por lo anterior se puede inferir que un evento deportivo como la Copa América es un bálsamo para dos gobiernos que comparten la necesidad imperiosa de lograr la popularidad de sus antecesores. Lo anterior hace rememorar la clásica y anquilosada estrategia propia de los regímenes populistas (desde las dictaduras hasta el chavismo) que han optado por involucrarse directamente en los eventos deportivos y convertirlos en actos de propaganda del gobierno que los organiza usando como herramienta los siempre útiles sentimientos patrios en función de los términos e intereses partidistas. Lo cual resultaría por lo menos contradictorio para dos figuras que se autodenominaron como jóvenes y transformadoras de las viejas maneras de hacer política en sus respectivos contextos.

La Copa América ha transitado a lo largo de la historia deportiva de nuestro continente por los ambiguos límites de lo público y lo privado, atraves de los intereses políticos que han condicionado, aglutinado y transformado constantemente el discurso sobre el “sentimiento nacional” y la “unidad nacional” de la sociedad desde y hacia el fútbol, y si bien pareciera una relación natural e indisoluble la forma como se ha desarrollado esta  debería y podría desarrollarse bajo otras condiciones menos nocivas para los ciudadanos cansados del oportunismo político y la demagogia de los gobiernos de derecha e izquierda. Cabe preguntarse entonces, ¿aún está lejos el día en que no haya una manipulación desde los intereses de un gobierno hacia un espectáculo popular como el fútbol?. La respuesta a esta pregunta es incierta más teniendo en cuenta nuestra “minoría de edad” en el desarrollo y fortalecimiento de las ciudadanías que permitan establecer de manera clara los pesos y contrapesos entre el interés de un sector importante de la sociedad y los intereses partidistas e ideológicos de un sector que detenta el poder. Las democracias en Latinoamérica tienen un matiz particular en la forma en que funcionan, no obstante, deben apuntar a la participación activa de sus ciudadanos en sus instituciones para pasar de la ambigüedad normativa al establecimiento de normas prácticas y claras respecto de los intereses particulares y colectivos sobre fenómenos socio-históricos como el fútbol entre otros.    

    

Antes y ahora parece imponerse una sola verdad: la Copa América ha pasado de mano en mano de boca en boca y  todos quienes han bebido de sus caudalosas y populosas aguas de fútbol se han sabido saciar.

                                                                                                        

Una petición: 

Como de parte del inmenso grupo de aficionados al fútbol tendría dos humildes peticiones para este evento: primera, que la mascota del evento no sea de los mismos creadores ni de la misma familia cósmica de “Ameriko”, la mascota de la Copa América de 2001 y segunda: que las selecciones que participen en esta parte de la copa traigan sus oncenos titulares para que la selección nacional pueda competir en igualdad de condiciones y no solo se conforme con ganarle a selecciones de suplentes como sucedió también en 2001.

"Ameriko" la mascota de la Copa America de 2001

  

MEMORABILIA VI:

KID A, UN CAMBIO EN EL PARADIGMA

El primer quinquenio del 2000 estuvo marcado por el resurgimiento, desarrollo y auge de los sonidos electrónicos en nuevas y  diferentes vertientes. Si bien el movimiento de la música alternativa de la década del noventa había allanado el camino para la experimentación y los movimientos de la electrónica como el Techno y el House de la década de los setenta y ochenta habían marcado una forma de hacer música, lo ocurrido durante el final de los noventa y el comienzo del 2000 con la música electrónica fue algo inesperado comparado con tendencias musicales dominantes en términos de ventas y exposición en medios de ese entonces como el new metal, el pop, o el neo punk . El público y por ende, el mercado comercial se abrieron hacia lo que hasta entonces estaba enclaustrado dentro del terreno del underground. Este cambio en la forma de concebir, crear, difundir y consumir la música tuvo una de sus más ilustres cúspides con Radiohead, quienes en octubre de 2000 publicaron Kid A, un álbum inusual para una banda de rock alternativo y extraño para lo que estaba de moda en la escena electrónica de entonces.

portada de Kid A publicado en octubre de 2000

Kid A no fue el primero ni el único disco de música electrónica hecho durante la década de los noventa y anteriores[1]. Antes y durante su publicación la lista de músicos y proyectos de música electrónica era variada en géneros y nombres. Para citar varios ejemplos de esa década podemos mencionar a Daft Punk, Modjo, Moby, Dirty Vegas, Stardust, Moloko, Air, The Chemical Brothers, Pet Shop Boys, Fatboy Slim, Underworld[2] entre muchas otras propuestas electrónicas relacionadas con tendencias como el Pop Dance, el Frechhouse, Chillout, o el Synth pop. Estos proyectos tenían una relevancia cada vez más visible en los listados y las radios a nivel mundial, porque hay que recalcar que lo que se escuchaba casi al unísono en las radios comerciales del mundo eran estas versiones de la música electrónica.

La exposición en los medios y las favorables ventas de álbumes que trajo consigo este impacto en el consumo a gran escala de música permitieron que surgieran nuevos sonidos y además, que el mismo género superara la figura estereotipada del  Dj que hacía simplemente scratching[3] en las bandas de new metal (como Limp Bizkit)[4] o beats pegajosos en las canciones de rap. Es importante mencionar que si bien la música electrónica era más visible, los géneros que hacían parte de esta exposición estaban relacionados con  el pop y el house pero no eran los únicos que emergían dentro de la escena. El número de músicos conocidos especialmente del mundo del rock que estaban experimentando con consolas fue en aumento y los álbumes que surgieron de este espontáneo encuentro ampliaron el panorama y redefinieron “lo electrónico”[5].

Para comienzos del 2000 había un sonido más o menos en proceso de estandarizarse por parte de las disqueras y por ende de las radios comerciales. La música electrónica era un producto comercial volátil y con adeptos cada vez más deseosos de consumir más, desde el sonido repetitivo y limitado del Trance que amenizaba las fiestas de los barrios subnormales hasta los estadios abarrotados con el DJ semanal de moda. Como sabemos, la intención de estandarizar un sonido o un movimiento musical lleva casi inmediatamente a este a estancarse y luego a entrar en decadencia. Pero en este caso, con lo que nadie contaba era con  un sector de artistas y músicos que llevarían la música electrónica a un nuevo nivel de experimentación y alterarían radicalmente la dinámica estandarizada de lo predecible. Justamente en este lote de artistas estaba Radiohead, quienes estaban planeando su primer “manifiesto sonoro”, frente a la industria musical, los críticos, los rankings y por supuesto frente a su numeroso y reciente público de álbumes anteriores. 

el desconcierto de la critica frente a Kid A era evidente

El 2 de octubre de 2000, el lanzamiento de un álbum de música electrónica que era esencialmente una obra experimental para el público en todos sus aspectos sonoros por parte de una de las bandas de rock alternativo más importantes del mundo tuvo un impacto metamórfico que fue de un prolongado desconcierto a la aclamación tardía en la mayoría de la crítica. Kid A entendido como un álbum electrónico no sonaba a nada de lo que se consideraba como electrónico por el estándar comercial de entonces, su sonido y estética eran subversivos para el statu- quo de los medios, las disqueras y el público.

En los dos primeros cortes del álbum: Everything in Its the Right Place y Kid A  la voz de Yorke se muestra distorsionada a la par de unos tonos corales que transmiten un ambiente melancólico que se articula muy bien con la melodía de los sintetizadores.

En The National Anthem, un bajo trepidante conecta con un saxo tenor y armonizan con la distorsionada voz de Thom Yorke, escucharlo te hacía pensar en ¿cómo era posible que una canción pase del Acid Rock al Free Jazz de una manera tan intensa y a la vez tan natural?  

En In Limbo y  How To Desappear Completely  la mescolanza entre el sonido acústico y los efectos electrónicos dan como resultado dos piezas que transitan entre lo tradicional del rock y el vanguardismo de la electrónica.

Kid A en vivo (2000).

Optimistic es una canción muy marcada por el clásico rock progresivo, la interacción entre elementos acústicos y los sintetizadores es muy atractiva y además, el único sencillo que sonaría de manera más o menos constante en las radios comerciales del mundo occidental.

Idioteque es una majestuosa canción donde hay sonidos más familiares respecto al canon de lo electrónico, unido esto, la angustiosa letra que ante la llegada de una catástrofe natural atenuada por una ingenua frase “take the money and run”  imponen un ritmo frenético y al mismo tiempo tranquilo, es como ver un desastre con la tranquilidad de lo inevitable. Las voces de Yorke se compaginan armónicamente y oírla en sus cambios melódicos invita a no dejar de moverse. Morning Bell está articulada a partir de un magistral solo de batería que hace las veces de beat durante los 4:36 minutos, en uno de los cambios rítmicos de la canción Yorke susurra: “cut the kids to half” como impronta de una separación amistosa y civilizada; ambas canciones contaron con videos hechos en 3D.  

Treefingers y MotionPicture Soundtrack hacen las veces de entremeses entre los demás temas y son el telón musical de la obra, son dos versiones de música ambient, (especialmente la primera) con elementos vocales muy interesantes, en el caso de la segunda. Cuando suena Motion Picture Soundtrack  los efectos de arpa allí infieren el sutil despertar de un viaje sonoro.

"modified bear" la imagen de la banda en Kid A

Unido a lo anterior, la estrategia que uso la banda para promocionarlo en medios fue innovadora y cautivante. A través de clips[6] animados que rodaron por toda la tv inglesa y el mundo, aparecía un extraño logo que marcaba implícitamente el nuevo rumbo musical y artístico de una banda que hasta ese entonces era una marca registrada del rock alternativo.  

En el pasado, bandas como Kraftwerk con álbumes como The Man Machine (1978) y Computer World (1981) mostraron que la esencia y el avance de la música electrónica estaban concentrados en su continua experimentación, y lo que inicialmente se había visto como una amenaza o simplemente una moda se convirtió rápidamente en un nuevo espacio de creación y experimentación para los artistas, situación que iba un poco en contravía con el paradigma impuesto en los sencillos más famosos de finales de los noventa. Este momento de la música electrónica en el mercado comercial occidental visto desde nuestro presente muestra un nuevo panorama y por ende, una interesante e inusual transición en términos musicales y artísticos respecto a la música que se hacía a gran escala y los movimientos musicales que tuvieron lugar en la última década del siglo XX.

KID A Y EL CONTEXTO LOCAL

imagen del iconico video de paranoid android

El panorama musical de la radio comercial en Colombia a finales de los años noventa y comienzos del 2000 era unidimensional y unidireccional. Si bien la “época dorada” o “edad pre-moderna” (como se quiera) en que la radio musical se mantenía subsidiada por los encargos de las personas que viajaban a Estados Unidos y Europa había pasado, el control de los contenidos de las radios comerciales del Fm  estaba en manos y los bolsillos de las disqueras, (hecho que no ha cambiado radicalmente desde entonces), no obstante esta regla  tenía una excepción, representada en Mucha Música de City tv y en  99.1[7] (hoy Radiónica). Estos fueron los dos espacios de expansión sonora con carácter democrático entre 1999 y 2004 en el caso de la primera y desde los noventas al presente en el caso de la segunda.

 "bocanada" de Gustavo Cerati

En este contexto, cuando pienso en OK Computer (1997) no puedo dejar en el olvido los maravillosos cuadernos que me mostraban mis amigos de entonces que estaban llenos de dibujos, significados, interpretaciones y letras del álbum escritas y traducidas por ellos mismos, sin duda este fue el salvavidas para la generación Y, después de la muerte formal del grunge en 1995.  En ese momento, el avance de la internet era lento literalmente hablando. Además, la sobre-explotación comercial de la depresión adolescente era la mayor y casi única inspiración de gran parte de la  música comercial de la última década y Creep y Paranoid Android habían contribuido involuntariamente a alimentar esa tendencia. No obstante, había artistas que se resistieron al canon y publicaron obras increíbles para ese tiempo, artistas de esta parte del mundo que no fueron inmunes a este cambio galopante y silencioso en la forma de crear y mezclar la electrónica. Dentro de dicho cambio debemos mencionar a Gustavo Cerati y su álbum Bocanada (1999) que marcó un importante precedente dentro de la música que sonaba y se hacían acá; como en otros casos la crítica especializada fue en su momento insensible a este cambio y solo con el pasar de los años se entendió y valoró positivamente la importancia de un álbum desarrollado a partir del uso del sampler[8].

 

Con la aparición de Kid A (2000) la presión de la crítica especializada y el público por una segunda parte de Ok Computer (1997) se desmoronó cuando este empezó a sonar en la radio y en vivo. La voz de Thom Yorke había mutado y  verles en vivo era una locura, allí había una banda a la que lo único que le importaba era explorar consolas en términos de su sonido y de manera intencional ocultaban sus rostros al público, recuerdo al guitarrista Johnny Greenwood arrodillado frente a un sampler haciendo música de la manera más natural, personal, sincrética e intensa como el resto de la banda; ver dicho performance fue una de las cosas más innovadoras que he presenciado en mi vida y Mucha Música de City Tv con la continua transmisión del concierto hecho en Canadá además de los novedosos y extraños videos (denominados Blips) de Idioteque y Morning Bell contribuyó significativamente en esta visión.  

imagen de "modified bear" en el video de Idioteque

El único sencillo que sonó en nuestro país fue Optimistic y esto se debió a que la banda pertenecía a un sello discográfico fuerte como EMI Music que “movió las cosas” para que emisoras súbditas como Radioacktiva la programaran. Sin duda, Radiohead rompió el paradigma reinante de que los géneros eran incompatibles a la hora de hacer música e impuso su visión de lo electrónico. El impacto de este acto artístico no se quedó allí pues la fuerza de este movimiento era amplia, ecléctica y diversa, y escuchar además a una banda famosa entrar sin complejo alguno en esta dinámica sin ningún otro interés que hacer música era motivante para otros músicos que ya venían trabajando en ello.  

Si bien la estandarización y homogenización de la música ha sido una constante dentro de la industria musical occidental, y el paso de una tendencia a otra dentro de este proceso ha permitido etapas de transición que han hecho más dinámico, contradictorio dicho proceso. De manera intencional o no Radiohead dinamizó y abrió el panorama conceptual de la creación musical a partir de  Kid A.  Desde las reuniones y fiestas Snobs de New York y luego en la radio, este tipo de electrónica ya tenía un punto de partida y referencia para años posteriores.

 "never, never land" de UNKLE

En Colombia, un sector de la radio comercial entendió la nueva dinámica e intento unirse a ella[9] programando música de bandas como U.N.K.L.E con sencillos como Eye For An Eye y Reign de un magnifico álbum llamado Never, Never Land[10] (2003) , Nine Inch Nails con el álbum With Teeth (2005), con grandes sencillos como The Hand That Feeds y Only o Sigur Rós con Untitle (2002) ,entre muchos otras. Así pues se dejaba en claro que la transición era un hecho.

Si bien en términos de ventas el pedestal de Ok Computer (1997) se mantuvo intacto, Kid A es un álbum imperecedero y fue un punto de inflexión en la carrera de la banda y de un sector importante de la música. La estela de mediana duración resultado de la sesiones de grabación de Kid A (1999-2000) se verían reflejadas en álbumes posteriores de Radiohead como Amnesiac (2001), In Rainbows (2007) y  en el primer álbum en solitario de Thom Yorke The Eraser (2006).

En retrospectiva, puedo decir que entre 2000 y 2005 hubo un momento memorable y valioso de exploración musical e impacto comercial que hizo que los sonidos e innovaciones en términos sonoros hicieran tránsito entre los géneros de la música y la forma en que muchos asumíamos y pensábamos la música fuese alterada y transgredida positivamente, prueba de ello ocurre cuando Kid A suena.

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[1] Es importante mencionar que la génesis de la música electrónica está formada por el gran avance que representó el trabajo y la innovación tanto técnica como musical que hizo Kraftwerk durante las décadas de los setentas y ochentas y de posteriores bandas como AllanParsons Project, New Order, entre otros.

[2] Underworld fue una de las bandas más  innovadoras e interesantes de esta década y al respecto podemos nombrar su sencillo Born Slippy  parte de la banda sonora de Trainspotting  (1996) y su álbum Two Months Off (2002).

[3] Ejemplo de ello fue Moby con su álbum Play (1999),  que redefinió el rol del Dj respecto a los sonidos y géneros tradicionales. Este álbum en particular,  muestra muy bien el eclecticismo del sonido electrónico de algunos artistas de entonces.

[4] Con el comienzo de la nueva década esta pose del Dj entraría en decadencia, dejando ver dentro de la misma escena a Dj´s creativos y comprometidos con la música como Dj Shadow con interesantes trabajos como Endtroducing (1996) y ThePrivate Press (2002).

[5] Como ejemplo de esto podemos mencionar ToRecord Only Water for Ten Days (2001) del músico y productor John Frusciante y a la cantante y actriz islandesa Björk con su álbum Post (1995).

[6] Dichos clips estuvieron rodando por la tv inglesa e hicieron parte de la campaña de expectativa de Kid A, lo interesante de estos productos fue que su protagonista era un oso antropomorfo creado por Thom Yorke, lo cual hizo que fueran denominados como Blips.

[7] Nombro estos dos proyectos porque en ese entonces (1998-2000), espacios alternativos como la radio universitaria me eran ajenos a pesar de que llevaban cierto tiempo en el FM, UN radio fundada en 1991 y Javeriana Estereo en 1974.

[8] Hoy en día el sampler es un instrumento que ha revaluado la visión de originalidad y propiedad dentro de la música debido a que el uso de sonidos ya hechos y mezclarlos para crear nuevos ha traído consigo nueva música y de muy buena calidad, prueba de ello es la genial obra del músico inglés William Bevan, más conocido como BURIAL.

[9] Específicamente la emisora que innovó  en este sentido fue 99.1, hoy conocida como Radiónica

[10] Este álbum en especial me trae muy buenos recuerdos, pues fue un tema de conversación con uno de mis grandes amigos, nos parecía impresionante lo que lograba la voz de Ian Brown (ex Stone Roses) en Reing y como las cuerdas lograban un marco deslumbrante e imponente.